在我的卡包里，放着一张名片。

　　这张名片的样式很别致，背面是彩色的，有着好看的花纹。

　　

　　这张名片还是我前几个月去京都的时候得到的。

　　时间就刚好在霍建华大婚的前两天。

　　这个色彩斑斓的图案，并不是印制上去的，而是染上去的。

　　亲手染了这张名片的，就是名片的主人，一位很和气的艺术家。

　　而他所用的工艺，叫做墨流（Suminagashi）。

　　

　　墨流是一种传承了千年的艺术，与绘画相比，它有着无序化、无规则、无定律的特征，也就是说，墨流需要艺术家在创作方面有随机应变的能力，以及随时可以发现并创造美的审美。

　　艺术家可以在创作之前预想构思好所需要使用的颜色，以及希望呈现的大致形态——但一旦落笔，墨流的创作过程会出现很多意想不到的随机变化，那就需要艺术家拥有能让每一种自然变化都可以衍生出美的能力了。

　　

　　墨流是真正意义上，永远不会产生两幅一模一样作品的艺术形式。

　　而SK-II，就将这种艺术搬到了限量瓶身上。

　　

　　艺术与时尚、美妆的结合，向来都是有趣的事。

　　

　　流行未必全都会是经典，但经典必然曾经流行。

　　音乐界和影视圈的人最明白这个道理，各种选秀选手的层出不穷与迅速被遗忘，面对着至今都被传诵的音乐大师和表演艺术家，确实不具备任何可比性。

　　文学界与绘画界自然也很清楚二者其中的界限，拿《红楼梦》去比《哈利波特》自然有些滑稽，《最后的晚餐》理所当然也不应该跟《七龙珠》画上等号。

　　现在轮到艺术界和时尚界来冷静地面对现实了：

　　曲高和寡难免遭人冷落，追求通俗总会惹来骂名——不如干脆携手互助，你的高雅遮了他的通俗，他的新鲜换了你的陈旧，过去的美好可以被现在的人们重新记住，穿出门去的名画在公共汽车里也不乏路人鉴赏。

　　这俨然就是一场盛大的狂欢派对，倔强了几个世纪的传统审美观总算有了新的延伸形式，无论是艺术家还是设计师都会心安理得地接受着来自全球各个角落的华丽赞美：

　　流行地看艺术，经典地做时尚。

　　其实就算是人生态度，我们也理应如此。

　　

　　很多人热爱艺术。

　　喜欢电影艺术的，会将查理卓别林的尖头皮鞋真的穿出门去；

　　热爱音乐艺术的，赫伯特·冯·卡拉扬曾用过的指挥棒便是心中钟情的珍宝；

　　迷恋油画艺术的，对于不慎沾在白T恤上的油漆也会一厢情愿地从中品出莫奈的味道来……

　　艺术在日常生活中，从来就不是“衣食住行”这四大基本需求中的一个，却又是人人都渴望能融入自己生活中的梦想元素。

　　于是当被认为是生活品质代表的时尚遭遇了艺术，四下里多的是“让达芬奇给我裁件衬衫”、“面霜要充满恩雅的NEW AGE的气质”、“那抹口红一定要有毕加索式的狂想”之类的呼声。

　　然而艺术往往又离我们不太遥远。

　　就好象是隔着岸的苹果一样，它就在你视线的范围内等你采摘，可如果你真的打算摘下它来亲尝味道，挡在你面前的却始终有一条河的距离。

　　因此当那些习惯了为人们指点时尚潮流的时尚界从业者们，终于决定要充当起果农的角色，将那些艺术的青苹果们统一采收下来贩卖的时候，个中滋味究竟是酸还是涩，也只有那些愿意买单付出劳务费的人们才会晓得——其实是有不少甜头的，关键就看各位创意总监如何将酸涩的口感早日催熟了。

　　以时装为例。

　　如今的时装工业难免要遭受固执的传统派时装评论人的非难，一口一句“过于商业化”会让脾气最好的时装设计师也感觉有失颜面。

　　尤其在人类的衣裳进入当代时装史之后，面对着第一代设计师们的撒手人寰，第二代设计师们也纷纷告老还乡，剩下的第三代设计师们还不能独力挑起大梁，在冒进与保守之间游移的他们总是要受到集团高层对于销售业绩的压力，令高级时装的内涵确实被大把的钞票冲击得七零八落。

　　

　　然而资深的时装设计师始终会对人文情调难以忘情，年轻的一辈也希望能多点学术价值来为自己的设计招来良好口碑，这种相互激励的态度也就导致了艺术对时装界的高调回归。

　　形式不同，种类各异，手法更是自有妙处，但所共同营造出来的景象却令人无比欣喜：

　　70年代的摇滚经典被复古的夹克唤回了叛逆的灵魂；

　　

　　抽象的印花上承载着古典油画的片段记忆，就算把T恤脱下来裱进画框都可以看成是新兴艺术的一种；

　　

　　曾经被贬为“荒唐滑稽”的涂鸦艺术无比风光地上了奢侈大牌的身；

　　

　　施特劳斯搭上了凡高的肩，他对他说下一次在针织外套上搞个crossover或许也很不错……

　　时装有了更多可以发挥想象力的创作空间，艺术有了更多种能让大众接受并传承的表现形式——不管怎么看，无论对谁来说都不吃亏，套用生意场上最常拿来忽悠对手的名词，这叫“双赢”。

　　只不过艺术与时尚虽然自有异曲同工之妙，可是在实质类型上依然千差万别：艺术受到空间格局的限制，时装则能穿得满大街都是；艺术不会随着时间的推移而丧失魅力，香水却必须得一季又一季地推陈出新；艺术每一样成品都独一无二，唇膏倒是能照着设计图量产一大批。

　　

　　也正是因为这些看似矛盾的各自特征，却给了时尚界的各路设计师们无比旺盛的创作热情——将它的长处拿来补了它的短处，把它的优势跟它的优势加以融合，于是艺术品能够满大街都是，而时尚单品也能凭借艺术的经典魅力而突破潮流趋势的喜新厌旧，到最后无论是独一无二的艺术品，还是能够量产的时尚单品，大家全都可以走入视线，走入风尚，走入流行。

　　从这一点来说，时尚界确实站在艺术家们的肩膀上，但他们沾了登高望远的光，自然比曲高和寡艺术家更能看得清楚市场的动向。

　　所以香港设计师郑兆良才说，艺术家不一定都是懂时装的人，但时装设计师大多数在艺术上都有所造诣。

　　这道理很简单。不管你是不是科班出身，只要能流行地去看艺术，那就与时尚脱不了干系。

　　

　　现在说起艺术与时尚的高调结合，大多数人脑子里蹦出来的都是当代艺术家与高级时装的你情我愿。

　　比如公认的在这个行业里走得很早的，是当年还在执掌Louis Vuitton生杀大权的Marc Jacobs。

　　确实Marc Jacobs在这方面开窍得比其他第三代设计师要早，即便Louis Vuitton向来就有跨界寻求合作的惯例，但能将与Louis Vuitton传统精神相差得如此迥异的村上隆、草间弥生等人找来搞合作，就不得不说Marc的审美与玩心都跟以往的Louis Vuitton主理人很不一样。

　　

　　但Marc并不是最早搞起艺术时装的设计师，稍微把想象力回溯到五十年代以前的巴黎康朋街，在那些颜色已经因为历史久远而褪了鲜亮的年代里，住在31号小阁楼上的Chanel夫人就不止一次地说过：“流行稍纵即逝，而风格永存。”

　　其实稍微用现在的时装审美来分析这句话，便能明白其实凌驾于“流行”这个典型的时装特征之上的“风格”——除了是在说一种穿着者的生活态度之外，更是在用无比靠拢艺术的方式，在诠释着Chanel夫人自己的设计理念。

　　事实上Chanel夫人一生都与艺术割舍不开，音乐家史特拉汶斯基和画家达利等人都曾是她生命中重要的伙伴，这从她不同时期的时装作品中就能看得出充满唯美的音乐和饱含激情的绘画，对她的灵感产生的重大影响。

　　

　　达利与Chanel夫人在一起抽烟，1938年。

　　Chanel夫人并没有明确地指出过她曾正式地将艺术引用到时装中来，可是那却实实在在地是一种完美的结合，与如今这种显山露水的直接引用不同，Chanel夫人的艺术形式是一种理念的渗透，她让自己的时装也变成了艺术，堪称是艺术时装化与时装艺术化的最高境界——因此到后来连她自己也成了艺术家，美国《时代》周刊在评选20世纪100位最重要的艺术家时，Chanel夫人便名列其中。

　　Karl Lagerfeld接过Chanel品牌的掌门一职后，似乎也在有意无意地延续着Chanel夫人当初的设计理念。

　　更何况Karl本人就自诩是出色的摄影艺术家，对于绘画也有着相当独特的见解，这就注定了Chanel即便不会大步踏进艺术殿堂，但至少也会在门前踯躅，试图沾染一身的清雅绝伦。

　　

　　可是在20年代到80年代这半个多世纪的时间里，现代艺术的形成本身就是一个举步维艰的困难历程，古典艺术与时装的界限又被很多固执的卫道士给划分得太过泾渭分明，因此直到进入80年代之后，艺术与时装的暗通款曲才真正走上台面，一切都在突然间变得豁然开朗起来。

　　

　　现在看起来，时尚行业与艺术的联姻无非就是两种：

　　一种是游龙戏凤式的文艺腔调，传统艺术与现代时装的携手，将古典音乐、绘画、雕塑、建筑、文学等常见艺术形式包容进设计灵感中，虽然夹杂着浪漫的风花雪月，可看久了难免会有种指腹为婚式的审美疲劳。

　　另一种则更像是自由恋爱，除了传统艺术形式依然可以大做文章之外，现代艺术更包含了电影、摄影、网络、行为、两性等多种新颖的艺术表现形式，这与求新求变的当代时尚界风格不谋而合——说它们两情相悦都觉得不够形容那股猛劲，非得用个贴切点的成语，“干柴烈火”才稍微有点接近。

　　因此我们既可以在Missoni的秀场里静静地欣赏印象派大师莫奈的名作复苏，那些在《睡莲》中娇柔且飘渺的花朵，被挪到了柔软的衣物面料上继续轻盈地营造梦境；

　　

　　

　　

　　也可以跑到Chloe秀场的第一排，看那些摩登的女郎怎么在法国二十世纪初的野兽派画家影响下，化身为妖冶的感官动物；

　　

　　更可以满怀着对知性的期待，通过Ivana Omazic的个人理解，见证到米兰·昆德拉的《生命中不能承受之轻》与萨冈的《凌乱的床》，如何从小说变身成时装，在舞台上书写新的传奇。

　　

　　依然以时装为例。

　　传统艺术对于时装设计最直接的影响，便是从色彩、构图、面料的处理方面直接给予设计师以相似的灵感。

　　比如美国表现主义画家Mark Rothko习惯于借助色彩、形状、平衡、深度、构成、尺度等形式因素来呈现出一种情绪化的抽象主义思想，这点就很让Alexander McQueen感到深有共鸣，于是在其08春夏的新装发布会上，Rothko对于艺术的思考与表现，就成了McQueen参考着用来处理时装的态度。

　　

　　如果说Rothko对McQueen的启发，更多是表现在创作灵感这种无形层面上的话，那么Stefano Pilatti在Saint Laurent时期最受好评的一场秀，则更多地是从创作手法上获益良多——这位给了Stefano不少指点的名师，正是20世纪美国抽象绘画的奠基人之一，Jackson Pollock。

　　Pollock喜欢在没有绷紧的画布上作画，这种古怪的绘画方式，可以利用画布粗糙的表面所产生的摩擦力营造出独一无二的抽象效果。

　　简单点说，就是如果Pollock打算画幅人物肖像，由于没有固定的画布会在画笔的力道中自然褶皱，使得最终画出来的肖像会是何种形态完全不可知，这也就在无形中增添了几许神秘感与期待度。

　　

　　Stefano借鉴了这种创作方式，像Pollock用众多完全与绘画无关的工具来作画一样，他也用金属、琉璃碎片、矿物等许多与时装也毫不相干的东西来制作时装，让一切的超乎常理在时装设计中变得合理，并且充满魅力。

　　

　　相比起传统艺术形式能够直观地影响时装设计，现代艺术则更接近于用碰撞出火花的方式，在强烈的对比与矛盾中制造出反差效果，并将这种效果夸张、延伸、甚至变形、扭曲，最终沾惹上流行的浮光，受欢迎的会更受欢迎，冷门的则陡然就被大众所熟悉起来。

　　比如数码绘画，这种不管是作画手法、流通介质，还是色彩表现、创作意图都与传统绘画大相径庭的现代艺术形式，却能够将现代人的速食主义生活态度与绚烂诡谲的想象空间结合起来，并突破平面纸媒，借助互动网络进行传播，因而具备能够在短时间内迅速笼络人心的发展潜力。

　　miu miu正是看中了这一点，将年轻的数码插画家Ella Tjader的作品引入自己品牌的设计中，利用金属光泽面料的冷光，来交织出带有浓郁后现代气息的童话氛围，这无疑是灵感碰撞中一次颇有新意的尝试。

　　

　　不过Miuccia Prada绝非一时心血来潮恋上现代艺术，曾经就读政治学科的她从小就痴迷于那些率性自我、作风狂放的现代艺术家，这也就能解释为什么在接管Prada品牌运营之后，Miuccia能够以一系列豪放大胆的决策为品牌注入新鲜血液的原因。

　　在同一季的时装设计中，Miuccia同样为PRADA本身的新装带来了太多惊喜：新艺术主义Art Nouveaux大规模地进军PRADA的包包、裙子和鞋子，那些找不到一道直线条的条格与印花图案，理念全部继承了新艺术主义的创作宗旨——将自然中万事万物作为原形，以动物或者是植物当作创作的中心点，突出自然生物中不存在直线，也没有完全的平面的物理特征，在装饰上突出表现曲线及有机形态。

　　

　　别人或许还只是一季一个主题，按部就班地把一本小说/一部电影/一类音乐/一种流派/一位大师搬上舞台，John Galliano偏偏“贪心”地要一次玩个过瘾，像是DIOR在2008年春夏的高级女装秀上，他竟然把象征主义绘画流派、莎乐美的神话传说、波德莱尔的诗集和John Singer Sargent的绘画全部鼓捣到舞台上，没点艺术常识的观众难免会看得云山雾罩。

　　

　　当然，John Galliano对于秀场整体风格与气氛的拿捏确实很有水准，除了少部分在他执掌门户时期为DIOR设计的成衣系列尚算“规矩”之外，大多数他个人品牌的设计作品都有着让人倒抽一口冷气的“惊耸”。

　　

　　他的设计美学带有典型的艺术特征：刚诞生的短期内不至于流行，但在接受时间的磨练后，逐渐会成为未来审美的榜样。

　　而将那些单看起来很难于日常实穿的时装，丢回John Galliano发布新作的秀场上时，你又很难不被整体所体现出来的绝魅感官刺激所打动，从而心悦诚服地认可他对于时装和艺术的跨领域双重领悟。

　　

　　Viktor & Rolf在设计女装方面也是艺术入侵时尚界的一个表率。

　　他们曾将小提琴架在模特们的脖子上，致敬了二三十年代摄影大师Man Ray的作品《安格尔的小提琴》。

　　

　　到了男装疆土，他们的表现也同样惹来一片赞叹：儒勒·凡尔纳在《环游地球80天》中所描写的那一个幽默又古怪的英国绅士Phileas Fogg，被Viktor & Rolf作为设计的灵魂人物，而整个秀场自然就成了这位绅士需要周游的神奇世界，在古典中夹杂着科幻的意境，文学艺术于时装周上被完美地复制出来。

　　

　　然而令人惋惜的是，如今我们就算再见到Viktor & Rolf的成衣，也不是件容易的事了。

　　

　　当年坐掌Louis Vuitton男装设计大权的Paul Helbers，也在跟艺术的联姻热情方面不输给Marc Jacobs。

　　甚至于，他更将离经叛道发挥到了极致——只不过他懂得怎么调和守旧派顾客的怒气，用经典电影艺术的魅力来延续男装的设计激情，总比情色文化和逗趣卡通要更显得“本分”一些。

　　在Paul Helbers的指挥下，07秋冬的秀场上被80年代电子乐团Eurythmics女主唱Annie Lennox的独特嗓声，以及打扮成David Bowie在1976年科幻电影《The Man Who Fell to Earth》里的造型的模特儿们所充斥；

　　

　　

　　

　　08年就搬出了曾让无数男人心生向往的经典影片《Melodie en Sous-sol》，阿兰·德龙与让·迦本这种装束潇洒的劫匪大概总会给人以野性的遐想；

　　

　　

　　

　　09年更是喜剧大师查理·卓别林的部分电影歌曲与配乐的混音串联版作为贯穿整个发布的背景音乐——新颖的尝试可谓前所未有，Paul Helbers把黑白胶片上的已经成为经典艺术的回忆拉进了秀场，让所有观众都沉浸在一阵怀旧的喜悦中。

　　还有Comme des Garcons的眼光也很精准。

　　辛迪·雪曼以她的经历证明，世界上真的存在一步登天这样的好事。成名三十多年来，辛迪·雪曼在摄影界一向顺风顺水，并以出色的作品当之无愧地拿下了“摄影艺术家”的头衔。

　　在她与Comme des Garcons的男装系列合作的作品中，辛迪·雪曼用照片纪录Comme des Garcons的时尚态度，而Comme des Garcons就将她的作品直接运用于衣服的印花上，让双方的合作关系更加紧密，也充满了激情。

　　

　　Nymphenburg身为全球顶级手工艺品生产商，在自己260岁生日的时候邀请了16位的时装设计大师为自己设计了一套限量版本的瓷器公仔。这些设计师包括Christian Lacroix，Ralph Rucci，Vivienne Westwood，Viktor & Rolf，Gareth Pugh等等，阵容极致梦幻豪华。

　　这一限量系列里的公仔会展现该设计师品牌的新系列时装或者过去的经典款式，再加上Nymphenburg无与伦比的超精细做工，令公仔本身就具有艺术珍品一般的收藏价值。当然这一系列的售价也绝不便宜，甚至比起当初Viktor & Rolf和老佛爷Karl的私人熊宝宝都要贵出许多——单个售价20000美金，这几乎就是一幅收藏级名画的价格了。

　　

　　可以说，不管是传统艺术，还是现代艺术，在时装工业从雏形走向完善的这近一个世纪中，女装的发展速度和势头都全面压倒了男装的成长，也就使得艺术与时装的结合在很长一段时间内，都只是女装才拥有的话题，男人们没办法参与也不想参与——你让一个男人穿着卡米耶·毕沙罗或者康丁斯基走出门，1960年的人会笑他疯了，1940年的人会丢他废弃的石油桶，1920年的人会拿火药枪崩他，要是在20世纪初，还可能会被送上火刑架。

　　

　　卡米耶·毕沙罗的画作

　　

　　康丁斯基的画作

　　然而男装发展的爆发力却又远非女装所能及，在被压抑了太多年的穿衣热情之后，突然迸发出来的男装需求，使得设计师与买家都完全陷入了冲动与激情之中，只用短短几年时间就走完了女装花上几十年才摸索完的设计之路。

　　眼看着连裙子在当年也可以在川久保玲和Marc Jacobs的怂恿下成为扮可爱装有型的“标配”，不得不说男装设计正在呈现出“创造即有存在价值”的无限包容力。

　　

　　因此我们完全不用诧异于Tom Ford多年来始终在恣意把玩商业炒作手腕之余，对于艺术却还有着一份念念不忘的情怀。

　　他毕竟是因为波普艺术大师安迪·沃荷才走上了时装设计的道路，所以即便他又把香水瓶堵在女性的私处，或者在广告上拿男人的耻毛来做文章也都没什么可惊讶的——在这位把007的正装都切割出性感腰线的设计师眼中，艺术与时尚的亲密接触，本来就是一场有着过分高潮的高质量性爱罢了。

　　

　　所以时尚界对于艺术向来充满热情，无论是传统民间艺术，还是当代前卫艺术——对于艺术的题材和形式，他们从不挑剔，因为他们只关心一点：

　　这些艺术能不能成为这些时尚单品最美丽的包装。

　　

　　SK-II这次将墨流艺术作为2016全新节日限量版护肤精华露的包装主题，其用意也便是希望能促成时尚与艺术的联姻，借此将两种不同领域的美加以融合。

　　

　　墨流工艺（Suminagashi）早在2000多年前就已出现，简单说就是跟随水的流动滴入墨彩形成独特的图案。

　　因为是跟随水流的变动作画，所以每一次作出的画都是不同的图案——墨流作品是绝对无法复制的。

　　对于SK-II来说，墨流艺术中的每一滴墨都有它存在的价值，正如我们的人生，每一个选择都成就了今天的我们。

　　因此SK-II期待鼓励女性不为外界声音左右，坚持内心向往的人生之道，点滴人生皆是精彩。从现在开始，踏上#改写命运#之旅。

　　

　　我自己也有体验这个墨流艺术。

　　负责指导的师匠，就是一开始我提到的亲手染了名片送我的墨流艺术家藤本武史先生。

　　整个体验的过程并不算复杂，但对于创作力和审美的要求极高。

　　简单来描述，就是首先要选择自己喜爱的颜色的特制墨水，并准备好清水、笔、竹签和纸张。

　　

　　然后用笔蘸取相应的颜色，轻轻滴入水中，让墨水在清水里晕染开来——墨水是特制的，所以入水后就像油脂一样会形成一个一个的色块。

　　

　　滴墨水的步骤可以进行多次，每次都可以根据喜好滴入不同颜色的墨水，让不同颜色的墨水彼此接触并形成奇异的图形：

　　

　　不过滴入的墨水色彩越多，对于后面的创作来说就越难，因为艺术家需要考虑如何驾驭这些色彩，让它们可以统一不突兀。

　　

　　大概就是这种感觉——

　　

　　之后就需要使用竹签，将墨水勾成想要的图形，甚至拨动不同的色彩，让它们可以和谐地融合在一起，形成瑰丽的视觉效果。

　　

　　藤本老师还特意勾出了心形呢！

　　

　　整个过程是这样的：

　　

　　等墨水被勾出自己喜爱的图案之后，就需要把纸小心地浸入水中：

　　

　　将纸捞起后就会发现，水面上的墨水已经染到了纸张之上。

　　

　　之后将纸晾干，就能制作出一幅墨流作品了。

　　

　　猜猜看哪一幅是博主创作的墨流作品？

　　在评论里回答我就好。

　　

　　——我会从猜对的网友里，选中一位，送你SK-II的神仙水喔！

　　所以用墨流艺术做出的限量版瓶身，确实美不胜收，作为藏品来说也很值得入手。

　　

　　如果你想体验墨流艺术，却又苦于手边没有特制墨水等材料的话——我在“阅读原文”里放了一个动手玩墨流的体验游戏，看看你能做出怎样的墨流作品来。

　　我随手就画了一张：

　　

　　别忘了，来猜上面博主提的问题，博主要送你们神仙水呢！

　　真是为你们拥有这么一个多才多艺又温暖而且博学以及慷慨的博主而感到高兴。

　　

　　

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